Wilfredo Lam

 

Wilfredo Lam era hijo de un padre chino y una madre con mestizaje africano, indio y europeo. En 1916, su familia se mudó a La Habana, donde realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes. Al inicio de los 20s, realizó una primera exposición de sus trabajos iniciales en el Salón de la Asociación de Pintores y Escultores en la Habana. En 1923, Lam se trasladó a Madrid donde estudió en el taller de Fernando Álvarez de Sotomayor, Director del Museo del Prado y reconocido por haber sido maestro de Salvador Dalí.

A comienzos del 1930, la influencia surrealista era evidente en los trabajos de Lam así como la de Henri Matisse, así como también posiblemente de Joaquín Torres-García. En 1936, al visitar una exposición de Pablo Picasso se sintió fuertemente atraído hacia él tanto artística como políticamente. En 1938, se fue a vivir a París, donde el propio Picasso lo tomó bajo su tutela y alimentó su interés por el arte africano y máscaras primitivistas. En ese mismo año, viajó a México donde permaneció con Frida Kahlo y Diego Rivera.

La variada herencia multicultural de Lam así como su relación con la Santería, se manifiesta extensamente en la obra del artista.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Lam vivió la mayor parte del tiempo en el Caribe, junto con Claude Lévi-Strauss, André Masson, y André Breton, cuyo poema Fata Morgana, Lam ilustró en el 1940. En 1941, regresó a la Habana donde fue fuertemente influenciado por las teorías de Carl Jung. A finales de 1942, comenzó su importante obra "La Jungla" (1943). Lam desarrolló un estilo propio en el que combinaba el surrealismo y el cubismo con el espíritu y formas del Caribe.

Entre 1942 y 1950, realizó exposiciones regulares en el Pierre Matisse Gallery de Nueva York. Después de una breve estancia en Haití, Lam regresó a Francia pasando por Nueva York. Viajó intensamente durante los años siguientes y en 1960, se estableció en Albisola Mare, en la costa italiana. Recibió numerosos premios y reconocimientos. Su obras se encuentran en los principales museos del mundo. Se han subastado obras de Lam en todas las subastas de arte latinoamericano de prestigio mundial, alcanzando también los precios más altos (por ejemplo, $ 1,267,500 por la "La mañana verde", óleo/papel, 1943; Sotheby´s. Latin American Art. Sale #NY7140, 27 de Mayo de 1998: lote 12).

Lam murió en París el 11 de septiembre de 1982. Está enterrado en su ciudad natal.

Naturaleza muerta pero con espíritu

José Manuel Aizpurúa (San Sebastián, 1902-1936), arquitecto y fotógrafo, padre del racionalismo arquitectónico español.

Nació en San Sebastián, pero cursó sus estudios en Madrid entre 1921 y 1927, donde entró en contacto con Federico García Lorca, Luis Buñuel ySalvador Dalí.

En 1929 proyectó, junto con Joaquín Labayen,con quien compartió estudio profesional en San Sebastián, el edificio del Club Náutico de San Sebastián, actualmente considerado uno de los primeros y más importantes ejemplos del racionalismo en Europa. Situado entonces junto al Gran Casino de la ciudad (hoy Ayuntamiento), su aspecto limpio, su color blanco y sus formas de inspiración marítima lo unen con el maquinismo y con el pensamiento vanguardista del arquitecto Le Corbusier.

Con el fin de extender sus ideas arquitectónicas innovadoras, en 1930 organizó una exposición con Churruca y Labayen en el Ateneo Guipuzcoano. A finales de ese mismo año se integró en el GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea), grupo que ya se había formado en Zaragoza. El grupo GATEPAC abogaba por el desarrollo de la arquitectura en España, organización que para Cataluñarecibía la denominación de GATCPAC (Grup d'Arquitectes i Tècnics Catalans per el Progrés de l'Arquitectura Contemporània).¹

En los años 30 simpatizó con las ideas fascistas, siendo uno de los creadores de Falange Española. Del propio José Antonio Primo de Rivera recibió el encargo de diseñar la cabecera del periódico falangista Arriba y fue elegido miembro de la Junta Política en 1934 con el cargo de Delegado Nacional de Prensa y Propaganda y fundador de la Falange Española de las JONS en San Sebastián. Su militancia política le costó la vida. Fue fusilado en la cárcel de Ondarreta, tres días antes de que las tropas del bando nacional entrasen en San Sebastián, el 6 de septiembre de 1936.

Brueghel

Algunos registros indican que nació en Broghel, cerca de Breda, pero no ha sido posible determinar si se trata de la ciudad de Breda (actuales Países Bajos) o la de Bree (en la actual Bélgica), llamada Breda en latín. Desde 1559 eliminó la 'h' de su apellido y comenzó a firmar sus pinturas como Bruegel.

Fue aprendiz de Pieter Coecke, con cuya hija Mayke terminó casándose, y en 1551 fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de Amberes. En 1558 estaba en Roma, donde trabó amistad con Giulio Clovio, retornando luego a Amberes y estableciéndose en Bruselas diez años más tarde. Murió en esa ciudad el 9 de septiembre de 1569.

Fue padre de Pieter Brueghel el Joven y Jan Brueghel el Viejo. Ambos se convirtieron en pintores, pero ninguno de ellos fue discípulo de su padre, ya que este falleció cuando ambos era aún niños. Jan Brueghel siguió los pasos de su padre y se convirtió en pintor, especializándose en paisajes; en cambio Pieter Brueghel el Joven se dedicó a la escritura. Los dos se destacaron mucho en lo que hicieron ya que tenían el talento de sus padres.

Pieter Brueghel se especializó en paisajes poblados de campesinos, en un estilo más sencillo que el del arte italiano que prevalecía en ese tiempo. La influencia más notable en su arte es la del maestro holandés Hieronymus Bosch. Se lo ha apodado Brueghel el campesino para distinguirlo de los otros miembros de la dinastía que fundó.

Se le suele acreditar haber sido el primer artista occidental en pintar paisajes por sí mismos, en lugar de como telón de fondo de alegorías religiosas. Sus paisajes del invierno de 1565 corroboran la dureza de los inviernos durante la Pequeña Edad de Hielo.

Su genio se ha equiparado a menudo al de El Bosco, con quien comparte cierto tratamiento fantástico en determinadas escenas como El Triunfo de la Muerte que se expone en el Museo del Prado. Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta como un ignorante dedicado a la pintura cómica. Sin embargo, parece suficientemente demostrado que fue un hombre de cierta cultura, puesto que conoció a estudiosos y científicos de su país. Además, viajó por Italia para aprender la forma de pintar de los renacentistas, permaneciendo incluso una temporada en el taller de un maestro siciliano. Su viaje le valió además una importante colección de dibujos excelentes sobre el paisaje de los Alpes, que hubo de atravesar durante su viaje. Tal vez esto resultara más importante para su carrera que el aprendizaje con los italianos, puesto que a su regreso desarrolló una serie de paisajes muy difundidos en Europa mediante el grabado. En esta misma técnica, realizó ciertos temas moralizantes, normalmente ilustraciones a refranes típicos, algo que también había hecho El Bosco (por ejemplo en La Piedra de la Locura).

Uno de sus temas más famoso es la torre de Babel, del que pintó tres cuadros, si bien se conservan dos: La construcción de la torre de Babel (1563, Kunsthistorisches Museum de Viena) y La Pequeña construcción de la torre de Babel (Rotterdam). Puede que el interés del pintor por la torre de Babel procediera del carácter cosmopolita de su ciudad de Amberes.

Fotografía

                            

La fotografía es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. Para capturar y almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace pocos años una película sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean, generalmente, censores CCD y CMOS y memorias digitales.

El término fotografía procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir/grabar con la luz". Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía como daguerrotipia. Y es que aunque parte de su desarrollo se debió a Joseph-Nicéphore Niépce, el descubrimiento fue hecho público por Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica. Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías».

La historia de la fotografía comienza en el año 1839, con la difusión mundial del procedimiento del daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas de Niépce.

El "año cero" es 1839. Pero sus antecedentes arrancan con el descubrimiento de la cámara oscura, y las investigaciones sobre el ennegrecimiento de las sales de plata.

La fotografía nace en Francia, en un momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. También influye en su nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el retrato como instrumento de verificación y afirmación del ascenso social.

En 1816 Niépce obtiene una primera imagen negativa, imperfecta e inestable, con una cámara oscura. En 1826, consigue su primera heliografía, partiendo del betún de Judea o asfalto.

Louis Daguerre se asocia con Niépce, para seguir las investigaciones. Pero en 1833 fallece Niépce, y Daguerre continúa en solitario hasta obtener un procedimiento fiable y comercial. El daguerrotipo se presenta en 1839 en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia.

Ese mismo año 1839 se divulga mundialmente el procedimiento del daguerrotipo. El sistema consiste en la obtención de una imagen sobre una superficie de plata pulida. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada. La imagen se revelaba con vapores de mercurio, apareciendo en la cara plateada de la placa, que previamente se había sensibilizado con vapores de yodo.¹ Pero era un procedimiento caro, y el equipo pesado, y precisaba de un tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además los vapores de mercurio eran realmente dañinos para la salud.

La cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor electrónico se encargan de captarla. El almacenamiento de las imágenes capturadas depende del tipo de cámara, quedando guardadas en la misma película si se trata de máquinas clásicas, o en algún dispositivo de memoria en las digitales. En este último caso, la imagen resultante se almacena electrónicamente como información digital, pudiendo ser visualizada en una pantalla o reproducida en papel o en película.

Para realizar una toma, el fotógrafo configura previamente la cámara y la lente con el fin de ajustar la calidad de la imagen lumínica a ser proyectada sobre el material fotosensible. Al dispararse el obturador, dicho material es finalmente expuesto, provocando en él alteraciones químicas o físicas que constituyen una "imagen latente", aún no visible pero presente en su estructura interna. Tras un proceso adecuado, esta información se convierte en una imagen utilizable. En las cámaras clásicas el material sensible es una película o placa fotográfica; mientras que las digitales utilizan dispositivos electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar basados en tecnología CCD o en CMOS.

La cámara de cine es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografías en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una persona unen la secuencia de imágenes separadas y se crea la sensación de movimiento.

Pierre Alechinsky

         

Pierre Alechinsky (Bruselas, 19 de octubre de 1927) es un pintor y grabador belga cuya obra reúne características del expresionismo y el surrealismo.

De 1944 a 1948, Alechinsky estudia en la École Nationale Superieure d´Architecture et des Arts Décoratifs de la Cambre en Bruselas, mostrando especial interés por las técnicas de ilustración de libros y tipografía. Durante esta época descubre la obra de Henri Michaux, de Jean Dubuffet y de los surrealistas. Comienza a pintar en1947 y se relaciona con artistas como Louis van Lint, Jan Cox, y Marc Mendelson

Conoció por aquella época al poeta Christian Dotremont, uno de los miembros fundadores del grupo CoBrA,^[1] uniéndose Alechinsky en 1949. Participa asimismo en la primera exposición internacional del grupo en Ámsterdam. Empieza a trabajar en lienzos colaborando con Karel Appel y otros miembros. Tras la disolución del grupo se traslada a París en 1951, donde estudia técnicas de grabado, entrando en contacto con varios surrealistas, conociendo a Alberto Giacometti, Bram van Velde, Victor Brauner y al caligrafista japonés Shiryu Morita. Es asimismo en París donde presenta su primera exposición en solitario en 1954.

Alrededor de 1960, muestra sus obras en Londres, Berna y en la Bienal de Venecia, y posteriormente en Pittsburgh, Nueva York, Ámsterdam y Silkeborg. Tan pronto como su fama ha ido creciendo a nivel internacional, ha trabajado con Wallace Ting, siempre manteniendo estrechos vínculos con Christian Dotremont así como con André Breton. Su reputación internacional continuó a lo largo de los años 70 y en el año 1983 entró como profesor de pintura en la Escuela nacional superior de Bellas Artes de París. En 1994 le fue concedido el título de Doctor honoris causa de la Universidad Libre de Bruselas y un año después, en 1995 uno de sus diseños fue impreso en los sellos de Bélgica.

Alechinsky vive actualmente en Bougival, Francia, donde sigue pintando y haciendo grabados e ilustraciones para libros.

Alechinsky posee un vigoroso estilo, expresivo y próximo a la abstracción, desde mediados de los años sesenta, prefiere trabajar con materiales más inmediatos y fluidos que el óleo, como la tinta o los acrílicos. Frecuentemente su obra incluye notas marginales.

Alechinsky ha realizado numerosas exposiciones en Europa así como en América. Su exposición más reciente ha sido una retrospectiva organizada por el Musées royaux des Beaux-Arts de Bélgica, en 2007.

LA IMAGEN

Una imagen es la representación visual de un objeto, una persona, un animal o cualquier otra cosa plausible de ser captada por el ojo humano a través de diferentes técnicas como ser la pintura, el diseño, la fotografía y el video, entre otras.

Hoy en día y como consecuencia del amplio desarrollo que en las últimas décadas han alcanzado las tecnologías vinculadas a la proyección y captación de imágenes es que al tiempo este que transcurre podemos calificarlo como dominado por todo aquello visual. Casi todo hoy pasa por la imagen, por supuesto, este contexto de excesivo cultivo por lo visual tiene sus aspectos positivos, como puede ser el hecho que en tan solo un instante se puede captar una realidad y compartirla con aquellos más próximos, pero por el otro lado y aquí si viene el aspecto negativo, esta situación ha generado que cuestiones como la reflexión y el pensamiento queden a veces relegadas ante la impronta que ha tomado lo visual.

Historieta - Quino

Esta es una historieta en la que intervienen QUINO y sus amigos:

En esta se refleja en una primera escena que quino tiene un número cinco y al llegar un amigo suyo con un número dos, se burla y se ríe de él yéndose su amigo triste.

En la segunda escena se da algo similar, sino que aquí llega otro amigo de QUINO en cambio con un número uno, igualmente se burla y se ríe de él.

Hay una tercera y cuarta escena en el que llega otro amigo de QUINO esta vez con una número mas bajo aún, el cero, igual se ríe y se burla de él hasta que se llega a dar cuenta de que su amigo con su número aumentó notablemente su cantidad de dinero, y QUINO  se queda estupefacto.

Como conclusión sería tal vez que en la vida no hay que utilizar la AVARICIA...